Quando viaggio, tutto cambia: i suoni, i colori, persino il modo in cui vedo me stesso. Così si potrebbe riassumere il senso della Collezione Farnesina, che, a 25 anni dalla sua nascita, si mette in cammino attraverso le capitali europee e non solo. Non una semplice mostra, ma un viaggio vero, dove l’identità non è mai fissa, ma si trasforma con ogni nuova città, con ogni sguardo incrociato. L’arte italiana qui si fa dialogo, si fa confronto, sfida l’idea di un’unica verità nazionale e apre spazi di riflessione che superano confini e culture.
La prima tappa della mostra, “Radici di resistenza”, indaga come l’identità si costruisca nel tempo attraverso la memoria e l’opposizione culturale. Le opere raccontano non solo storie personali, ma si fanno portavoce di memorie collettive, sfidando l’oblio e le narrazioni dominanti. Il tempo diventa il filo conduttore per capire come certe identità si formino in modo tenace, opponendosi alle dinamiche di potere e alla cancellazione sistematica.
Le opere scelte mostrano gesti concreti di difesa delle radici, sia fisiche che simboliche, e dipingono la resistenza come un atto di affermazione identitaria, non statica ma dinamica, in dialogo con i cambiamenti sociali. La varietà di forme espressive – dalla poesia visiva alla video-arte, fino alle installazioni site-specific – dimostra la diversità delle strategie con cui affrontare eredità complesse.
Il lavoro curatoriale sottolinea proprio la necessità di vedere l’identità come un processo aperto, capace di accogliere contraddizioni e differenze. Questa sezione invita lo spettatore a soffermarsi su dettagli, simboli e tracce che raccontano conflitti, negazioni e rinascite. Non è un racconto unico, ma una rete di storie che fa emergere la pluralità delle esperienze individuali e collettive che plasmano chi siamo.
La seconda parte del progetto, “Ecologie instabili”, si concentra sul rapporto complesso e spesso fragile tra uomo e natura. Qui l’ambiente non è più uno sfondo immobile, ma una realtà viva e interconnessa, e l’arte diventa strumento per ascoltare e raccontare i cambiamenti in corso. Gli artisti coinvolti superano la classica visione antropocentrica, mettendo in luce un legame simbiotico e delicato.
Tra le opere più significative ci sono “Under the Sun of Onomichi” di Martina della Valle e “Il Cedro dei Cieli” di Maria Grazia Pontorno, che cercano un contatto diretto con i paesaggi e le memorie naturali locali, presentando la natura come un organismo vivo, segnato da ricordi, mutamenti e relazioni invisibili. Questi lavori invitano a vedere l’ambiente come un sistema vivente di cui anche l’uomo è parte.
Completano il quadro Elisa Montessori e Silvia Camporesi, che affrontano il tema con approcci diversi. Montessori trasforma la natura in un linguaggio visivo da decifrare, dove segni e tracce raccontano storie nascoste. Camporesi usa il paesaggio come un archivio di memoria collettiva, rappresentando luoghi marginali e abbandonati in cui la presenza umana resta impressa più in residui evocativi che in immagini monumentali.
Questa sezione ha un valore fondamentale nel sensibilizzare a un ruolo attivo e consapevole verso i cambiamenti ambientali. Non si limita a mostrare un problema, ma mette l’Italia e il mondo davanti a una realtà complessa che chiede a ciascuno di cambiare prospettiva.
“Geografie del distacco” è la terza parte del percorso, dedicata a spostamenti, distanze e legami che resistono oltre i confini fisici o culturali. Le opere raccontano dinamiche di dispersione e attrazione, intrecciando storie di migrazioni, esili e ritorni. Qui si riflette sugli effetti della mobilità sull’identità, mettendo in luce la capacità di persone e comunità di mantenere connessioni nonostante la distanza.
Si guarda anche a come lo spostamento cambi il modo di percepire se stessi e gli altri, sottolineando che l’identità non si ferma a un territorio preciso, ma si costruisce nei rapporti che si creano. Le installazioni e le opere audiovisive propongono una lettura che supera l’idea chiusa dell’appartenenza, abbracciando una dimensione fluida e relazionale.
In questa sezione spicca anche il confronto con le comunità ospitanti. Le opere italiane dialogano con culture e storie locali, dando vita a un confronto vivo che trasforma il significato iniziale delle opere e ne svela nuove chiavi di lettura, offrendo un’esperienza culturale più ricca e stratificata.
Le storie personali, le memorie collettive e i simboli culturali diventano così chiavi per capire che la distanza fisica non traccia confini invalicabili, ma apre a scambi, convergenze e trasformazioni.
Dopo Berlino, Parigi e Belgrado, la Collezione Farnesina è arrivata a Tokyo, l’unica tappa fuori Europa del progetto. Qui il rapporto tra identità, natura e paesaggio si carica di un significato particolare. La mostra all’Istituto Italiano di Cultura ha mostrato come l’arte italiana possa dialogare in modo vivo con il contesto giapponese, aprendo nuovi orizzonti di confronto.
Per esempio, “Under the Sun of Onomichi” di Martina della Valle ha creato un legame diretto con il territorio, mentre “Il Cedro dei Cieli” di Maria Grazia Pontorno ha invitato a riflettere sulla natura come organismo vivo, attraversato da memorie e mutamenti che sfidano la visione antropocentrica. Elisa Montessori ha trasformato il paesaggio in un linguaggio da ascoltare, mentre Silvia Camporesi ha rappresentato luoghi sospesi e marginali per interrogare assenza e memoria storica.
Grande rilievo hanno avuto le poesie visive di Tomaso Binga, esposte sulla facciata dell’Istituto. Brevi e ritmate come haiku, queste poesie hanno creato un ponte culturale con il pubblico locale. Grazie a un QR code e a registrazioni audio delle poesie recitate dall’artista, l’esperienza è stata multisensoriale, fatta di parole scritte, voce e spazio.
Questa combinazione ha mostrato come identità e linguaggio si trasformino attraversando confini geografici e culturali, uno dei temi chiave del progetto. Tokyo ha segnato così una svolta, dimostrando la flessibilità e la capacità di espansione del percorso curatoriale di fronte a contesti molto diversi da quelli europei.
Un elemento chiave di Identità Oltre Confine è stato il dialogo con artisti locali, istituzioni culturali e comunità di ogni tappa. Questo confronto è servito ad adattare la mostra a ogni contesto, valorizzare prospettive specifiche e far emergere nuovi significati dalle opere.
In Serbia, per esempio, l’opera site-specific di Agnese Purgatorio è nata proprio dall’incontro con chi conosce il tessuto sociale e culturale del luogo, permettendo all’opera di inserirsi organicamente nel contesto. A Berlino, invece, la curatela ha incluso una nuova poesia visiva di Elena Bellantoni, “Manifesto della Volpe”, creata appositamente per quella mostra. Quest’opera affronta con spirito critico strutture di potere e dinamiche di esclusione, usando la volpe come simbolo capace di muoversi tra natura e costruzioni culturali.
Questi esempi dimostrano come lasciare spazio all’imprevedibile e alle specificità locali possa arricchire un progetto itinerante. Le relazioni con istituzioni e artisti hanno costruito un percorso flessibile, in continuo divenire, capace di trasformarsi secondo gli stimoli ricevuti, invece di inseguire un’idea statica di identità.
Anche il confronto con il pubblico è stato prezioso, generando nuovi spunti e domande spesso non previste dagli organizzatori. La mostra si è così rivelata un organismo vivo, in continua evoluzione, specchio della complessità del nostro tempo.
La Collezione Farnesina mette insieme opere di maestri storici e artisti emergenti, creando un dialogo che supera il tempo per affrontare temi sempre vivi come corpo, memoria, identità e linguaggio come strumento di libertà. Questo modo non lineare di raccontare l’arte italiana mette in luce continuità e discontinuità senza rigidità.
Per esempio, il lavoro di Maria Lai convive con quello di artisti contemporanei come Silvia Giambrone e Marta Roberti, mostrando come certi temi restino centrali attraverso decenni. Le ricerche attuali risuonano con quelle tradizionali, senza cancellarle, ma rinnovando linguaggi e contesti.
Anche l’allestimento e il rapporto con il pubblico sono fondamentali per far emergere questa ricchezza temporale e tematica. I momenti di confronto e partecipazione hanno spesso ampliato la comprensione del progetto, dimostrando l’importanza di coinvolgere chi osserva in un dialogo diretto.
A venticinque anni dalla nascita della Collezione Farnesina, questo viaggio tra continenti e culture raccoglie immagini, testi e testimonianze dei tanti incontri, ma soprattutto mette in luce il valore più intangibile: le relazioni create tra artisti, curatori, istituzioni e pubblico. Come ricordava Maria Lai, legarsi al vicino è una scelta libera; questa libertà nel legame è lo spirito stesso del progetto.
Identità Oltre Confine non è un racconto chiuso o una definizione definitiva di italianità, ma un modo per interrogare il concetto di identità nella sua dimensione relazionale, dinamica e mutevole. Oltrepassare i confini geografici significa aprire la mente a una trasformazione continua del nostro sguardo, del nostro atteggiamento e del nostro posto nel mondo.
Questo rende il progetto non solo una celebrazione del passato, ma un invito a proseguire lungo nuove strade, verso incontri e racconti inediti, aprendo la strada a confronti sempre nuovi tra arte, società e culture diverse.
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