Arte e dissidenza: come gli artisti italiani reinventano i modelli culturali degli anni ’70 e ’80

Le piazze un tempo brulicavano di voci accese, di corpi che si sfioravano nel confronto diretto. Oggi, quel fermento si rifugia dietro uno schermo, dove commenti rapidi si susseguono, spesso senza lasciare traccia. La passione non è scomparsa, ha solo cambiato forma. L’arte, da sempre specchio e anima di queste tensioni collettive, cerca nuove vie per farsi ascoltare. Ma non dimentica la tradizione: il valore dei materiali, la memoria delle tecniche rimangono la sua ossatura. Così, l’arte contemporanea si muove su un crinale sottile, tra il tangibile e il digitale, tra l’istinto primordiale e l’avanzare della tecnologia, tra la storia che pesa e la sperimentazione che spinge oltre. In questo paesaggio si affacciano nuove voci, giovani e meno giovani, pronti a riscrivere il rapporto con il pubblico e con i mezzi di comunicazione.

L’arte tra analogico e digitale: cambiano i modi di guardare

Oggi l’arte si fruisce in modi che cinquant’anni fa sembravano fantascienza. Musei e gallerie restano punti di riferimento, ma le opere non sono più solo da vedere in uno spazio fisico. Molti lavori diventano oggetti digitali, fotografati, postati su WhatsApp o Instagram, spesso consumati in fretta, con uno sguardo distratto. Il pubblico si affida sempre di più a un consumo rapido e spezzettato, e questo solleva domande sulla profondità con cui si riesce ancora a comprendere l’arte. Non è solo una critica, ma un dato di fatto: la rivoluzione tecnologica ha cambiato il modo in cui viviamo e interpretiamo le opere. La fama di un artista o di un’opera non sempre corrisponde alla vera comprensione che ne abbiamo. Spesso ci troviamo spaesati di fronte a un’opera conosciuta, scoprendo nuovi significati o semplicemente riconoscendo la nostra ignoranza.

In questo contesto l’arte riflette le nuove dinamiche sociali, dove la linea tra chi possiede e chi fruisce diventa sempre più sfumata. Questo apre all’accessibilità dell’opera, ma frammenta anche il discorso estetico. L’arte continua a parlare della realtà che cambia, usando media diversi: fotografia, pittura, performance, installazioni. Questi strumenti moltiplicano linguaggi e interpreti, un po’ come la “fantasia infantile” che si considerava l’inizio del percorso creativo. Oggi questa pluralità si confronta con nuove tecnologie e modi di comunicare, rendendo obsoleti i vecchi modelli.

Roberto Cuoghi e il ponte tra generazioni artistiche

Roberto Cuoghi, vincitore del premio Pascali, ha scelto di giocare un ruolo diverso: non solo una mostra personale, ma un progetto che dà spazio a giovani artisti pugliesi emergenti. Un segnale chiaro di un approccio collettivo e di confronto tra generazioni nel mondo dell’arte contemporanea. Tra loro Michela Rondinone, nata a Matera nel 1999, che con i suoi lavori offre un’introspezione delicata, indagando come l’intimo possa diventare pubblico quasi per caso. La sua ricerca rompe con l’idea di un percorso “lineare” e coerente, preferendo un punto di vista personale, fluido, sempre aperto a nuove scoperte.

Questa dinamica racconta molto del rapporto tra arte e percezione, tra ciò che si produce e ciò che si riceve. Cuoghi ha spesso sottolineato quanto sia difficile separare l’emozione razionale da quella istintiva: l’esperienza artistica è un mix di sensazioni immediate e riflessioni più profonde. Il suo progetto con i giovani diventa così una mostra corale, un invito attivo per chi guarda a costruire significati personali durante la fruizione.

L’arte ha sempre camminato a fianco delle innovazioni tecniche: dall’affresco alle tecniche a olio, dalla stampa alla fotografia. Oggi quella storia di dialogo si ripete nella digitalizzazione e nelle pratiche condivise.

Memoria e incertezza nell’arte: il film su Mimmo e Francesco Jodice

Il 12 marzo 2024 è uscito il documentario di Matteo Parisini sulla relazione tra il fotografo Mimmo Jodice e suo figlio Francesco, anch’egli fotografo. Il film racconta come le immagini fotografiche si trasformino in opere sfumate e stratificate. Mimmo Jodice interviene direttamente in camera oscura, strappa le fotografie, ne cambia la tonalità, usa la Leica non per catturare la realtà ma per “disegnare”: tratta le immagini come cose intime, sfuggenti, oltre la semplice rappresentazione.

L’opera diventa anche un dialogo tra padre e figlio, che condividono tecniche ma anche dubbi e modi di vedere l’estetica. Questa ricerca dell’incertezza nella materia fotografica si presenta come un antidoto alla certezza, un modo per vivere l’arte accettando l’ignoto e l’incomprensibile.

Prendendo spunto dagli studi di David Hockney, citati da Paolo Senaldi su Artribune, emerge come la tecnologia sia sempre stata un “ingrediente segreto” nell’atto creativo. Hockney mostrò che artisti del Rinascimento e Barocco usavano lenti e camere oscure per raggiungere un realismo impossibile con i soli metodi tradizionali. Oggi la sfida passa al digitale, con modelli algoritmici che mettono in discussione il controllo dell’artista. Non è solo un’evoluzione tecnica, ma una ridefinizione del rapporto tra tecnologia, creatività e percezione.

Tradizione e innovazione a confronto: Elena El Asmar e Marco Trinca Colonel

Nel panorama attuale, Elena El Asmar incarna il punto d’incontro tra passato e futuro. Dal 26 marzo al 2 maggio 2026, la sua mostra alla Galleria Building di Milano presenta paesaggi celesti, in disegni su carta e dipinti su tavola. Cambiando tecnica, trasporta chi guarda in mondi lontani, richiamando la grande tradizione di maestri come Beato Angelico, Turner e lo stesso Hockney.

Le sue immagini dialogano con il presente, fatto di tecnologia e droni che solcano il cielo, un fenomeno che mette in crisi la percezione visiva e la fedeltà dell’esperienza. Nel passato si usavano codici prospettici e innovazioni artistiche per raccontare la differenza tra umani e altre specie; oggi quella sfida resta, complicata dal confine labile tra reale e virtuale.

Marco Trinca Colonel ha tracciato un percorso unico nella storia della fotografia. Le sue opere, che a prima vista sembrano fotografie tradizionali appoggiate a terra, sono in realtà create con strati di polvere colorata, applicata tramite maschere digitali che selezionano le tonalità e compongono l’immagine. Una tecnica performativa che trasmette l’idea di una memoria stratificata e indelebile, una polvere che torna sempre, proprio come la storia. Opere come “Ripescaggio” del 2020 mostrano come immagini nascoste, coperte di polvere e oblio, continuino a parlare di eventi passati, oltre ogni tentativo di cancellazione.

Questo lavoro si muove tra memoria e attualità, offrendo una risposta artistica ai conflitti sociali e politici di oggi, senza cadere nel didascalico. Attraverso questa stratificazione, Trinca Colonel dimostra quanto la storia persista e sappia rinascere, anche quando cerca di essere dimenticata.

Un filo rosso lega così artisti che rinnovano il rapporto tra arte, tecnica, memoria e percezione. L’arte continua a evolversi nel mondo di oggi, dove la tecnologia non è un ostacolo, ma una risorsa da capire, integrare e superare per restituire significati sempre nuovi.